En filmisk revolution: De bedste film fra italiensk neorealisme

En filmisk revolution: De bedste film fra italiensk neorealisme

I kølvandet på den dybe omvæltning, som Anden Verdenskrig medførte, befandt Italien sig selv i et kritisk tidspunkt, hvor dets samfundsstruktur var dybt sprækket. Udgående fra denne gribende kontekst opstod der en transformativ kunstnerisk bevægelse, der ville omforme banen for det filmiske udtryk på en uudslettelig måde: italiensk neorealisme. Den italienske neorealisme, der er forankret i en dyb stræben efter autentisk at portrættere de uformedlede forviklinger af kvotidian eksistens, indkapslede selve etosen i en nation, der er i færd med at forene sin historiske arv, mens den inderligt kortlagde en bane mod en mere besynderlig fremtid.

Historisk kontekst

Italiensk neorealisme opstod i kølvandet på Anden Verdenskrig og Benito Mussolinis regimes fald, hvilket efterlod den italienske filmindustri i opløsning. Denne filmiske bevægelse signalerede et dybtgående kulturelt og samfundsmæssigt skift i Italien. Neorealistiske film brød op fra konstruerede fortællinger og bød i stedet på autentiske, nutidige historier, ofte filmet på stedet på grund af den omfattende skade, som Cinecittà-filmstudierne led under krigen.

Grundlaget for neorealismen blev lagt af en gruppe filmkritikere tilknyttet magasinet Cinema, herunder bemærkelsesværdige personer som Luchino Visconti, Gianni Puccini, Cesare Zavattini, Giuseppe De Santis og Pietro Ingrao. På trods af begrænsninger i at diskutere politik i deres forfatterskab, kritiserede disse kritikere voldsomt de fremherskende hvide telefon-film, der dominerede industrien. De søgte et alternativ til mainstream-biografen og slog til lyd for en tilbagevenden til de realistiske temaer fra det tidlige 20. århundredes litteratur.

Hvide telefon-film
Hvide telefon-film betegner en distinkt filmisk genre, der opstod inden for italiensk film i 1930’erne og 1940’erne, karakteriseret ved deres overdådige mise-en-scène, overbærende visuelle æstetik og fortællinger, der fremtrædende fremhævede livet for de øverste lag af samfundet. Disse film florerede ofte i portrætteringen af overdådige omgivelser, prangende palæer og formelle sociale sammenkomster, hvilket manifesterede en tematisk optagethed af velstand og privilegier. Betegnelsen “hvid telefon” er rodfæstet i filmens tilbagevendende skildring af hvide telefoninstrumenter, emblematisk for modernitet og overdådighed. Disse film tjente som en form for eskapisme og gav publikum en visuelt overbærende og håbefuld skildring af samfundet og gav et pusterum fra tidens fremherskende socioøkonomiske udfordringer.

Mange filmskabere, der senere blev fremtrædende i neorealismen, finpudsede deres færdigheder gennem Calligrafismo-film i begyndelsen af 1940’erne, selvom denne bevægelse havde markante forskelle fra neorealismen. Elementer af stilen var også tydelige i Alessandro Blasettis værker og de dokumentariske film af Francesco De Robertis. Vigtige forløbere for neorealismen omfattede Jean Renoirs “Toni” (1935) og Alessandro Blasettis “1860” (1934). Både Luchino Visconti og Michelangelo Antonioni samarbejdede tæt med Renoir.

Vendepunktet kom i foråret 1945 efter Mussolinis henrettelse og Italiens befrielse fra tysk besættelse. Denne æra, som kaldes det “italienske forår”, indledte et skift mod mere realistisk filmskabelse. Italiensk biograf forlod ekstravagante studiesæt og valgte i stedet for autentiske lokationer i både landlige og bymæssige omgivelser.

italiensk neorealisme - Roma Città Aperta
“Roma Città Aperta” (1945)

Den første ægte neorealistiske film, der i vid udstrækning antages at være Luchino Viscontis “Ossessione”, blev udgivet i 1943 under besættelsen. Bevægelsen opnåede international anerkendelse i 1946 med Roberto Rossellinis “Roma Città Aperta”, som modtog hovedprisen på filmfestivalen i Cannes, hvilket markerede Italiens genopblussen i filmproduktion efter krigen.

Men i begyndelsen af 1950’erne oplevede den italienske neorealisme et fald. Liberale og socialistiske partier kæmpede for at formidle deres budskaber, og den dystre fremstilling af fattigdom og fortvivlelse i neorealistisk biograf stødte sammen med en nation, der søgte fremskridt og forandring. Efterhånden som Italiens økonomi begyndte at forbedre sig, mistede temaer om neorealisme relevans, og optimisme, der var fremherskende i amerikanske film, opnåede mere gunst. Den fremherskende stemning inden for efterkrigstidens italienske regering var ugunstig over for neorealisme, med Giulio Andreottis bemærkning, der understregede dette perspektiv.

Overgang fra den italienske neorealismes samfundsmæssige bekymringer markerede Federico Fellinis værker, såsom “La Strada” (1954) og “Il Bidone” (1955), et skift i retning af individuel udforskning. Efterfølgende italienske film i 1960’erne fokuserede på den menneskelige tilstand og dykkede ned i personlige behov, fremmedgørelse og kampen for at kommunikere. Denne udvikling blev afspejlet i Michelangelo Antonionis film som “Deserto Rosso” (1964) og “Blow-Up” (1966), som internaliserede neorealismens essens midt i Italiens økonomiske og politiske klima efter krigen.

Efterhånden som 1950’erne skred frem, bar nye kunstnere, inklusive Siciliens Bruno Caruso, den neorealistiske fakkel og fremviste de rå realiteter på steder som Palermos varehuse, skibsværfter og psykiatriske afdelinger.

italiensk neorealisme - La Strada
“La Strada” (1954)

Karakteristika for italiensk neorealisme

Italiensk neorealisme er karakteriseret ved et sæt af karakteristiske kunstneriske og tematiske egenskaber, der tilsammen repræsenterer en afvigelse fra konventionelle filmiske paradigmer:

Verisimilitude og sandhed: Et kendetegn for italiensk neorealisme er dens standhaftige forpligtelse til autenticitet og realisme. Filmskabere inden for denne bevægelse undgik kunsten ved atelier og brugte faktiske lokationer, og benyttede ofte ikke-professionelle skuespillere til at præge deres fortællinger med en øget følelse af ægthed.

Almindelige individer: Neorealistiske film strakte sig uvægerligt mod fortællinger, der understregede almindelige individers daglige kampe, ofte hentet fra arbejderklassen eller fattige dele af samfundet. Denne forkærlighed for fortællinger om det almindelige affødte relaterbarhed og følelsesmæssig resonans blandt publikum.

Minimalisme: Bevægelsens filmiske æstetik var præget af minimalisme, der brugte rudimentære kulisser og usminkede rekvisitter til at fremkalde en rå og unuanceret visuel kvalitet. Denne designfilosofi bidrog til den visuelle autenticitet, som bevægelsen søgte at formidle.

Socio-politisk kommentar: Kvintessensen af italiensk neorealisme ligger i dens mærkbare sociale og politiske dagsorden. Disse film fungerede som skarpe kritikker af fremherskende samfundsspørgsmål såsom fattigdom, arbejdsløshed og klasseforskel, og tjente som redskaber til introspektion og social bevidsthed.

Filmteknik: Et særskilt filmisk leksikon blev udviklet inden for bevægelsen. Banebrydende instruktører som Roberto Rossellini og Vittorio De Sica brugte langvarige optagelser og film med dyb fokus for at skabe en fordybende filmoplevelse, der transporterede seerne ind i karakterernes miljø.

Improvisation og spontanitet: Neorealistiske filmskabere tillod ofte improvisation blandt deres ikke-professionelle rollebesætning, idet de udnyttede det serendipitøse og umanuskriptede til at forstærke ægtheden af karakterinteraktioner og følelsesmæssige reaktioner.

Naturalistisk kinematografi: Bevægelsen omfavnede de utilitaristiske fordele ved naturlig belysning og håndholdte kamerateknikker. Ved at undgå konstruerede lysopsætninger og bruge håndholdt kameraarbejde, fangede filmskabere subtiliteten af følelser og miljøer på en uformidlet måde.

Børnecentrerede fortællinger: Barnets figur antog en fremtrædende plads i mange neorealistiske fortællinger, hvilket understregede temaer om sårbarhed, uskyld og modstandsdygtighed inden for rammerne af strenge omstændigheder.

Æstetisk afvisning: Centralt for den italienske neorealismes etos var dens målrettede afvigelse fra de overdådige briller, der blev udbredt af Hollywood. Bevægelsens bevidste afvisning af eskapistisk glamour understregede dens forpligtelse til at præsentere et usminket tableau af tilværelsen.

De bedste film om italiensk neorealisme

Ossessione (1943)
Luchino Visconti
Kriminalitet
Melodrama
I bambini ci guardano (1944)
Vittorio De Sica
Melodrama
Roma città aperta (1945)
Roberto Rossellini
Krig
Drama
Sciuscià (1946)
Vittorio De Sica
Drama
Il sole sorge ancora (1946)
Aldo Vergano
Krig
Drama
Paisà (1946)
Roberto Rossellini
Krig
Drama
Tombolo, paradiso nero (1947)
Giorgio Ferroni
Drama
Caccia tragica (1947)
Giuseppe De Santis
Action
Melodrama
Germanya anno zero (1948)
Roberto Rossellini
Drama
Fuga in Francia (1948)
Mario Soldati
Drama
Thriller
La terra trema (1948)
Luchino Visconti
Drama
Ladri di biciclette (1948)
Vittorio De Sica
Drama
Kriminalitet
In nome della legge (1949)
Pietro Germi
Drama
Kriminalitet
Riso amaro (1949)
Giuseppe De Santis
Kriminalitet
Drama
Stromboli, terra di Dio (1950)
Roberto Rossellini
Drama
Non c’è pace tra gli ulivi (1950)
Giuseppe De Santis
Melodrama
Miracolo a Milano (1951)
Vittorio De Sica
Komedie
Fantasi
Bellissima (1951)
Luchino Visconti
Drama
Umberto D. (1952)
Vittorio De Sica
Drama
Roma, ore 11 (1952)
Giuseppe De Santis
Drama
La strada (1954)
Federico Fellini
Drama
Il ferroviere (1956)
Pietro Germi
Melodrama
Banditi a Orgosolo (1961)
Vittorio De Seta
Drama
Kriminalitet
Il demonio (1963)
Brunello Rondi
Drama
Gyserfilm

  • Wikipedia contributors. (2023, July 22). Italian neorealism. In Wikipedia, The Free Encyclopedia. Retrieved 21:58, August 12, 2023
Subscribe
Notify of
guest
0 Comments
Inline Feedbacks
View all comments